Fotografija: dovoljenje Naturhistorisches Museum

Naša skulptura umetnostne zgodovine, ta majhna figurica, ki meri nekaj več kot štiri centimetre v višino, je bila odkrita v Avstriji leta 1908. Nihče ne ve, kateri funkciji je služila, a ugibanja segajo od boginje plodnosti do pomoči pri masturbaciji. Nekateri učenjaki domnevajo, da je šlo morda za avtoportret ženske. To je najbolj znan od številnih takih predmetov iz starejše kamene dobe.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Wiki Media/Philip Pikart

Ta portret je bil simbol ženske lepote, odkar so ga leta 1912 prvič odkrili v ruševinah Amarne, glavnega mesta, ki ga je zgradil najbolj kontroverzni faraon v zgodovini starega Egipta: Ehnaton. Življenje njegove kraljice Nefertiti je nekaj skrivnostnega: domneva se, da je nekaj časa po Ehnatonovi smrti vladala kot faraon – ali še verjetneje, kot sovladarica dečka kralja Tutankamona. Nekateri egiptologi menijo, da je bila pravzaprav Tutova mati. Ta doprsni kip iz apnenca, prevlečen s štukaturo, naj bi bil delo Tutmozisa, Ehnatonovega dvornega kiparja.

Fotografija: dovoljenje CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Vojska iz terakote, ki so jo odkrili leta 1974, je ogromno skladišče glinenih kipov, zakopanih v treh ogromnih jamah blizu grobnice Shi Huanga, prvega kitajskega cesarja, ki je umrl leta 210 pr. Vojska, ki naj bi ga varovala v posmrtnem življenju, naj bi po nekaterih ocenah štela več kot 8000 vojakov skupaj s 670 konji in 130 bojnimi vozovi. Vsak je v naravni velikosti, čeprav se dejanska višina razlikuje glede na vojaški čin.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Wiki Media/LivioAndronico

Morda najbolj znana skulptura rimske antike,Laocoön in njegovi sinovije bil prvotno izkopan v Rimu leta 1506 in premeščen v Vatikan, kjer je še danes. Temelji na mitu o trojanskem duhovniku, ki so ga skupaj s svojimi sinovi ubile morske kače, ki jih je poslal bog morja Pozejdon kot maščevanje za Laokoönov poskus, da bi razkril zvijačo trojanskega konja. Ta figurativna skupina v naravni velikosti, ki je bila prvotno nameščena v palači cesarja Tita in jo pripisujejo triu grških kiparjev z otoka Rodos, je kot študija človeškega trpljenja brez konkurence.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Eno najbolj ikoničnih del v vsej umetnostni zgodovini, Michelangelov David, izvira iz večjega projekta okrasitve opornikov velike firenške katedrale, Duoma, s skupino figur, vzetih iz Stare zaveze. TheDavidje bil eden in ga je leta 1464 pravzaprav začel Agostino di Duccio. V naslednjih dveh letih je Agostinu uspelo grobo obdelati del velikega bloka marmorja, izklesanega iz znamenitega kamnoloma v Carrari, preden se je ustavil leta 1466. (Nihče ne ve, zakaj.) Nek drug umetnik je pobral napako, a tudi on je le na kratko delal na tem. Marmor je ostal nedotaknjen naslednjih 25 let, dokler ga Michelangelo ni ponovno začel klesati leta 1501. Takrat je bil star 26 let. Ko je bil končan, je David tehtal šest ton, kar pomeni, da ga ni bilo mogoče dvigniti na streho katedrale. Namesto tega so ga postavili na ogled tik pred vhodom v Palazzo Vecchio, firenško mestno hišo. Figura, ena najčistejših destilacij sloga visoke renesanse, je florentinska javnost takoj sprejela kot simbol lastnega upora mesta-države proti oblastem, ki so se zoperstavile. Leta 1873 jeDavidje bila prestavljena v galerijo Accademia, replika pa je bila nameščena na prvotni lokaciji.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini, priznan kot začetnik visokorimskega baročnega sloga, je ustvaril to mojstrovino za kapelo v cerkvi Santa Maria della Vittoria. Barok je bil neločljivo povezan s protireformacijo, s katero je katoliška cerkev poskušala zajeziti val protestantizma, ki je v 17. stoletju preplavil Evropo. Umetnine, kot je Berninijevo, so bile del programa ponovne potrditve papeške dogme, ki ji je tukaj dobro služil Berninijev genij za prežemanje verskih prizorov z dramatičnimi pripovedmi.Ekstazije ta primer: njen predmet – Sveta Terezija iz Avile, španska karmeličanka in mistikinja, ki je pisala o svojem srečanju z angelom – je upodobljen ravno takrat, ko ji angel namerava zariti puščico v njeno srce.EkstaziErotični prizvoki so nezmotljivi, najbolj očitni v nuninem orgazmičnem izrazu in zvijajočem se tkanju, ki ovija obe postavi. Bernini, arhitekt in umetnik, je zasnoval tudi postavitev kapele v marmorju, štukaturi in barvah.

Fotografija: dovoljenje Metropolitanskega muzeja umetnosti/Fletcher Fund

Italijanski umetnik Antonio Canova (1757–1822) velja za največjega kiparja 18. stoletja. Njegovo delo je poosebljalo neoklasični slog, kot lahko vidite v njegovi marmorni izvedbi grškega mitskega junaka Perzeja. Canova je dejansko izdelal dve različici dela: ena je v Vatikanu v Rimu, druga pa stoji na Evropskem sodišču za kiparstvo Metropolitanskega muzeja umetnosti.

Fotografija: Metropolitanski muzej umetnosti

Medtem ko je impresionistični mojster Edgar Degas najbolj znan kot slikar, je delal tudi v kiparstvu, kar je bilo verjetno najbolj radikalno prizadevanje njegovega opusa. Degas oblikovalMala štirinajstletna plesalkaiz voska (iz katerega so bile poznejše bronaste kopije ulite po njegovi smrti leta 1917), toda dejstvo, da je Degas svojo istoimensko osebo oblekel v dejanski baletni kostum (skupaj s steznikom, tutu in copati) in lasuljo iz pravih las, je povzročilo občutek, koPlesalkaje debitiral na šesti impresionistični razstavi leta 1881 v Parizu. Degas se je odločil, da bo večino svojih okraskov prekril z voskom, da bi se ujemali s preostalimi potezami dekleta, vendar je ohranil kito in trak, ki je zavezoval njene lase, takšna, kot sta bila, zaradi česar je figura eden prvih primerov najdenega predmeta. umetnostPlesalkaje bila edina skulptura, ki jo je Degas razstavil v svojem življenju; po njegovi smrti so v njegovem ateljeju našli še približno 156 primerkov.

Fotografija: dovoljenje Philadelphia Museum of Art

Medtem ko večina ljudi povezuje velikega francoskega kiparja Augusta RodinaMislec, je ta ansambel v spomin na dogodek med stoletno vojno (1337–1453) med Britanijo in Francijo pomembnejši za zgodovino kiparstva. Naročeno za park v mestu Calais (kjer je bilo leta 1346 preklicano enoletno obleganje Angležev, ko se je šest mestnih starešin ponudilo za usmrtitev v zameno za prizanesljivost prebivalstvu),Burgerjiizogibal se je formatu, ki je bil značilen za spomenike tistega časa: namesto figur, izoliranih ali zbranih v piramido na vrhu visokega podstavka, je Rodin svoje subjekte v naravni velikosti sestavil neposredno na tla, v ravnini z gledalcem. Ta radikalen premik proti realizmu je prekinil herojsko obravnavo, ki je običajno namenjena takšnim delom na prostem. zBurgerji, je Rodin naredil enega prvih korakov k modernemu kiparstvu.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Flickr/Wally Gobetz

Leta 1912 je Picasso ustvaril kartonsko maketo dela, ki je imelo velik vpliv na umetnost 20. stoletja. Tudi v zbirki MoMA je upodabljal kitaro, temo, ki jo je Picasso pogosto raziskoval v slikanju in kolažu, in v mnogih pogledih,Kitaraprenesla tehniko cut and paste kolaža iz dveh dimenzij v tri. Enako je storilo tudi za kubizem, s sestavljanjem ravnih oblik, da bi ustvarili večplastno obliko z globino in prostornino. Picassova inovacija je bila izogibanje običajnemu rezbarjenju in modeliranju skulpture iz trdne mase. Namesto tegaKitaraje bil pritrjen skupaj kot struktura. Ta ideja bi odmevala od ruskega konstruktivizma do minimalizma in naprej. Dve leti po izdelaviKitarav kartonu, Picasso je to različico ustvaril v narezani pločevini

Fotografija: Metropolitanski muzej umetnosti

Od svojih radikalnih začetkov do svoje končne fašistične inkarnacije je italijanski futurizem šokiral svet, vendar nobeno posamezno delo ni ponazarjalo čistega delirija gibanja kot ta skulptura enega njegovih vodilnih lučk: Umberta Boccionija. Ko je začel kot slikar, se je Boccioni obrnil k delu v treh dimenzijah po potovanju v Pariz leta 1913, na katerem je obiskal ateljeje več avantgardnih kiparjev tega obdobja, kot so Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon in Alexander Archipenko. Boccioni je njihove ideje sintetiziral v to dinamično mojstrovino, ki prikazuje korakajočo figuro v »sintetični kontinuiteti« gibanja, kot jo je opisal Boccioni. Delo je bilo prvotno ustvarjeno v mavcu in je bilo v svoji znani bronasti različici ulito šele leta 1931, precej po umetnikovi smrti leta 1916 kot pripadnik italijanskega topniškega polka med prvo svetovno vojno.

Fotografija: dovoljenje CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Brancusi, rojen v Romuniji, je bil eden najpomembnejših kiparjev modernizma zgodnjega 20. stoletja – in pravzaprav ena najpomembnejših osebnosti v celotni zgodovini kiparstva. Nekakšen proto-minimalist je Brancusi vzel oblike iz narave in jih racionaliziral v abstraktne predstavitve. Na njegov slog je vplivala ljudska umetnost njegove domovine, ki je pogosto vsebovala živahne geometrijske vzorce in stilizirane motive. Prav tako ni delal razlik med predmetom in osnovo, saj ju je v nekaterih primerih obravnaval kot zamenljive komponente - pristop, ki je predstavljal ključen prelom s kiparsko tradicijo. Ta ikonični del je portret njegovega modela in ljubimca Margit Pogány, madžarske študentke umetnosti, ki jo je spoznal v Parizu leta 1910. Prva ponovitev je bila izklesana v marmorju, sledila pa je mavčna kopija, iz katere je bil izdelan ta bron. Sam mavec je bil razstavljen v New Yorku na legendarni razstavi Armoury Show leta 1913, kjer so ga kritiki zasmehovali in ga ovirali. Bil pa je tudi največkrat reproduciran komad v predstavi. Brancusi je delal na različnih različicahgospa Poganyže kakih 20 let.

Fotografija: z dovoljenjem Muzeja moderne umetnosti

Kolo kolesavelja za prvi Duchampov revolucionarni readymade. Ko pa je delo dokončal v svojem pariškem ateljeju, res ni vedel, kako bi ga poimenoval. "Imel sem veselo idejo, da pritrdim kolo kolesa na kuhinjski stol in gledam, kako se obrača," je kasneje rekel Duchamp. Duchamp je potreboval potovanje v New York leta 1915 in izpostavljenost veliki mestni proizvodnji tovarniško izdelanega blaga, da je prišel do izraza readymade. Še pomembneje, začel je dojemati, da se je ustvarjanje umetnosti na tradicionalen, ročno izdelan način v industrijski dobi zdelo nesmiselno. Zakaj bi se trudil, je dejal, ko pa lahko široko dostopni izdelki opravijo delo. Za Duchampa je bila ideja za umetnino pomembnejša od tega, kako je bila narejena. Ta pojem – morda prvi pravi primer konceptualne umetnosti – bi popolnoma spremenil umetnostno zgodovino v prihodnje. Podobno kot običajen gospodinjski predmet, vendar originalKolo kolesani preživel: Ta različica je pravzaprav replika iz leta 1951.

Fotografija: Muzej ameriške umetnosti Whitney, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Priljubljena stalnica stalne zbirke muzeja Whitney,Calderjev cirkusdestilira igrivo bistvo, ki ga je Alexander Calder (1898–1976) predstavil kot umetnik, ki je pomagal oblikovati kiparstvo 20. stoletja.Cirkus, ki je nastal v času umetnikovega bivanja v Parizu, je bil manj abstrakten od njegovih visečih »mobilov«, vendar je bil na svoj način prav tako kinetičen: narejen predvsem iz žice in lesa,Cirkusje služil kot osrednji del improvizacijskih predstav, v katerih se je Calder premikal po različnih figurah, ki so upodabljale ukrivljače, požiralce mečev, krotilce levov itd., kot božanski kolovodja.

Fotografija: z dovoljenjem muzeja J. Paul Getty

Francoskega umetnika Aristida Maillola (1861–1944) bi lahko kot slikarja in oblikovalca tapiserij ter kiparja najbolje opisali kot sodobnega neoklasicista, ki je tradicionalnemu grško-rimskemu kipu dal racionalen zasuk 20. stoletja. Lahko bi ga opisali tudi kot radikalnega konservativeca, čeprav je treba spomniti, da so celo avantgardni sodobniki, kot je Picasso, po prvi svetovni vojni ustvarjali dela v priredbi neoklasicističnega sloga. Maillolova tema je bil ženski akt, in vL'Air, ustvaril je kontrast med materialno maso svojega subjekta in načinom, kako se zdi, da lebdi v vesolju – tako rekoč uravnoveša trdo telesnost z minljivo prisotnostjo.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Flickr/C-Monster

Japonska umetnica, ki deluje v različnih medijih, je Kusama prišla v New York leta 1957 in se na Japonsko vrnila leta 1972. V vmesnem času se je uveljavila kot glavna figura mestne scene, tista, katere umetnost se je dotaknila številnih baz, vključno s pop artom, minimalizmom in Performance Art. Kot umetnica, ki se je pogosto sklicevala na žensko spolnost, je bila tudi predhodnica feministične umetnosti. Za Kusamino delo so pogosto značilni halucinogeni vzorci in ponavljanja oblik, nagnjenost, ki je zakoreninjena v določenih psiholoških stanjih – halucinacije, OCD – za katerimi je trpela že od otroštva. Vsi ti vidiki Kusumine umetnosti in življenja se odražajo v tem delu, v katerem je navaden, oblazinjen lahek stol vznemirljivo preplavljen s kugo podobnim izbruhom falusnih izboklin iz šivane polnjene tkanine.

Fotografija: Muzej ameriške umetnosti Whitney, New York, © 2019 Estate of Marisol/Umetnostna galerija Albright-Knox/Društvo za pravice umetnikov (ARS), New York

Marisol Escobar (1930–2016), znana zgolj po imenu, se je rodila v Parizu venezuelskim staršem. Kot umetnica se je povezovala s pop artom in kasneje op artom, čeprav slogovno ni pripadala nobeni skupini. Namesto tega je ustvarila figurativne tabele, ki so bile mišljene kot feministične satire vlog spolov, slavnih in bogastva. noterŽenske in pesprevzame objektivizacijo žensk in način, kako se uporabljajo moški vsiljeni standardi ženskosti, da jih prisilijo, da se prilagodijo.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Flickr/Rocor

Škatla Brillo je morda najbolj znana v seriji kiparskih del, ki jih je Warhol ustvaril sredi 60. let prejšnjega stoletja in ki je njegovo raziskovanje pop kulture učinkovito popeljalo v tri dimenzije. V skladu z imenom, ki ga je Warhol dal svojemu ateljeju – Tovarna – je umetnik najel mizarje, da so delali na nekakšnem tekočem traku in z žeblji zabijali lesene škatle v obliki kartonov za različne izdelke, vključno s kečapom Heinz, koruznimi kosmiči Kellogg in juho Campbell. dobro Brillo milne blazinice. Nato je vsako škatlo pobarval z barvo, ki se ujema z originalno (belo v primeru Brillo), preden je dodal ime izdelka in logotip na sitotisku. Škatle, ki so bile ustvarjene v večkratnikih, so bile pogosto prikazane v velikih skladih, kar je dejansko spremenilo galerijo, v kateri so bile, v visokokulturni faksimile skladišča. Njihova oblika in serijska proizvodnja sta bili morda naklon ali parodija tedaj nastajajočega minimalističnega sloga. Toda prava poantaŠkatla Brilloje, kako njegovo tesno približevanje resničnemu spodkopava umetniške konvencije, saj namiguje, da med proizvedenim blagom in delom iz umetnikovega studia ni prave razlike.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Flickr/Esther Westerveld

Ime Donalda Judda je sinonim za minimalistično umetnost, gibanje sredi 60. let prejšnjega stoletja, ki je racionalistično napetost modernizma destiliralo do bistvenih elementov. Za Judda je kiparstvo pomenilo artikulacijo konkretne prisotnosti dela v prostoru. To idejo so opisali z izrazom "specifični predmet" in medtem ko so jo drugi minimalisti sprejeli, je Judd verjetno dal ideji njen najčistejši izraz s tem, da je sprejel škatlo kot svojo obliko podpisa. Tako kot Warhol jih je izdelal kot ponavljajoče se enote z uporabo materialov in metod, izposojenih iz industrijske proizvodnje. Za razliko od Warholovih jušnih pločevink in Marilyns se Juddova umetnost ni nanašala na nič zunaj sebe. Njegovi "skladi" so med njegovimi najbolj znanimi deli. Vsaka je sestavljena iz skupine enako plitvih škatel iz pocinkane pločevine, ki štrlijo iz stene in tvorijo steber enakomerno razporejenih elementov. Toda Judd, ki je začel kot slikar, je bil prav tako zainteresiran za barvo in teksturo kot za obliko, kar je razvidno iz zelenega laka za ohišje avtomobila, nanesenega na sprednjo stran vsake škatle. Juddova igra barve in materiala dajeBrez naslova (sklad)izbirčna eleganca, ki zmehča svoj abstraktni absolutizem.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Flickr/Rocor

Tako kot Benglis je bila tudi Hesse umetnica, ki je postminimalizem filtrirala skozi domnevno feministično prizmo. Židinja, ki je kot otrok pobegnila iz nacistične Nemčije, je raziskovala organske oblike in ustvarjala kose iz industrijskih steklenih vlaken, lateksa in vrvi, ki so spominjali na kožo ali meso, genitalije in druge dele telesa. Glede na njeno ozadje je mamljivo najti podtok travme ali tesnobe v delih, kot je to.

Fotografija: z dovoljenjem Muzeja moderne umetnosti

Po Juddu in Flavinu se je skupina umetnikov oddaljila od minimalistične estetike čistih linij. Kot del te postminimalistične generacije je Richard Serra postavil koncept specifičnega predmeta na steroide, močno povečal njegovo obseg in težo ter zakone gravitacije naredil za sestavni del ideje. Ustvaril je negotova ravnotežja iz jeklenih ali svinčenih plošč in cevi, ki so tehtale v tonah, kar je delu dalo občutek grožnje. (Dvakrat so bili monterji, ki so nameščali dele Serra, ubiti ali pohabljeni, ko se je delo po nesreči zrušilo.) V zadnjih desetletjih je Serrino delo sprejelo ukrivljeno prefinjenost, zaradi katere je postalo zelo priljubljeno, vendar na začetku deluje kot One Ton Prop (Hiša of Cards), ki prikazuje štiri skupaj nagnjene svinčene plošče, je svoje skrbi izrazil z brutalno neposrednostjo.

Fotografija: dovoljenje CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Po splošnem protikulturnem trendu v šestdesetih in sedemdesetih letih prejšnjega stoletja so se umetniki začeli upirati komercializmu galerijskega sveta in razvijali radikalno nove umetniške oblike, kot so zemeljska dela. Znan tudi kot land art, vodilna osebnost tega žanra je bil Robert Smithson (1938–1973), ki se je skupaj z umetniki, kot so Michael Heizer, Walter De Maria in James Turrel, podal v puščave zahodnih Združenih držav, da bi ustvaril monumentalna dela, ki delovali usklajeno z okolico. Ta pristop, specifičen za lokacijo, kot so ga poimenovali, je pogosto uporabljal materiale, vzete neposredno iz pokrajine. Tako je pri SmithsonuSpiralni pomol, ki štrli v Veliko slano jezero v Utahu od Rozel Pointa na severovzhodni obali jezera. Izdelano iz blata, kristalov soli in bazalta, pridobljenega na kraju samem,Spiral Jetty meri1500 krat 15 čevljev. Desetletja je bilo potopljeno pod jezerom, dokler ga suša v zgodnjih 2000-ih ni znova dvignila na površje. Leta 2017,Spiralni pomolje bil imenovan za uradno umetniško delo Utaha.

Fotografija: z dovoljenjem CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Podpisno delo umetnika, rojenega v Franciji,Pajekje nastala sredi devetdesetih, ko je bila Bourgeois (1911-2010) že v svojih osemdesetih. Obstaja v številnih različicah različnih velikosti, vključno z nekaterimi, ki so monumentalne.Pajekje mišljeno kot poklon umetnikovi materi, restavratorki tapiserij (od tod tudi aluzija na pajkovo nagnjenost k sukanju mrež).

Shutterstock

Zmagovalec prestižne Turnerjeve nagrade leta 1994 je Antony Gormley eden najslavnejših sodobnih kiparjev v Združenem kraljestvu, vendar je po vsem svetu znan tudi po svojem edinstvenem pogledu na figurativno umetnost, na kateri temeljijo široke razlike v obsegu in slogu, večinoma na isti predlogi: Odlitek umetnikovega lastnega telesa. To velja za ta ogromen spomenik s krili, ki se nahaja blizu mesta Gateshead v severovzhodni Angliji. Nahaja se ob glavni avtocesti,Angelse dvigne do 66 čevljev v višino in se razteza 177 čevljev v širino od konice peruti do konice peruti. Kot pravi Gormley, je delo mišljeno kot nekakšen simbolni označevalec med industrijsko preteklostjo Velike Britanije (skulptura se nahaja v angleški državi premoga, srcu industrijske revolucije) in njeno postindustrijsko prihodnostjo.

Z dovoljenjem CC/Flickr/Richard Howe

Prebivalci Chicaga ga ljubkovalno imenujejo fižol zaradi njegove upognjene elipsoidne oblike,Cloud Gate, osrednji del javne umetnosti Anisha Kapoorja za Millennium Park drugega mesta, je hkrati umetniško delo in arhitektura, ki zagotavlja obok, pripravljen za Instagram, za nedeljske sprehajalce in druge obiskovalce parka. Izdelan iz jekla z ogledalom,Cloud GateZabavna hišna odsevnost in velika velikost ga naredita za Kapoorjevo najbolj znano delo.

Z dovoljenjem umetnika in Greene Naftali, New York

Delo Rachel Harrison združuje dovršen formalizem s spretnostjo prežemanja na videz abstraktnih elementov z več pomeni, vključno s političnimi. Ostro se sprašuje o monumentalnosti in moškem prerogativu, ki gre z njo. Harrison večino svojih skulptur ustvari z zlaganjem in razporejanjem blokov ali plošč iz stiroporja, preden jih prekrije s kombinacijo cementa in slikarskih okraskov. Češnja na vrhu je nekakšen najden predmet, sam ali v kombinaciji z drugimi. Vrhunski primer je ta lutka na vrhu podolgovate, z barvo poškropljene oblike. Nosi ogrinjalo in nazaj obrnjeno masko Abrahama Lincolna, delo pošilja teorijo zgodovine velikega človeka z evokacijo osvajalca starodavnega sveta, ki pokončno stoji na skali klovnovske barve.